Hoy tiré a la basura el disco de Violines Mágicos, que recogí hace años cuando naufragué en este continente. No sé dónde lo pesqué, y tiemblo un poco al pensar que lo traje del infierno mismo. Creo que la razón de haberlo conservado sea sólo un afán neurótico producto de la necesidad referencial, y que el trasfondo de todo tenga que ver con aquel momento imborrable en el que escuché el fragmento de la canción Campanitas de Cristal.


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el origen del retoque sonoro

Hoy quiero hablar de la sobreimposición -o doblaje-1, esa técnica usada en los albores de los estudios de grabación. Es una técnica con la que todo ingeniero, ya sea de sonido, o de grabación tiene que estar familiarizado.

En general tiene que ver con la edición de pistas. Se entiende que los costes de producción sean altos hoy, y que debido a la naturaleza misma del desarrollo tecnológico, hayan sido más altos entonces. Eso lo sabe cualquier músico o productor, que se haya visto orillado al alquiler de servicios de este tipo, con fines profesionales o en un intento por alcanzar la posteridad.

A pesar de que tanto el artista, como los técnicos del estudio, pongan todo su empeño con fin a evitar equivocaciones e incidentes que puedan obligarlos a utilizar más tiempo de estudio, los errores encuentran la manera de aparecer, ésto es algo que sabe cualquier editor.

A la luz de la historia queda claro el contexto en el que surge el overdubbing y sus motivaciones primeras. A pesar de que pueda considerarse una chicanada, fue un recurso que ahorró tanto tiempo como mucho dinero.

Me dicen que Miles Davis aborrecía dicho procedimiento y que, precisamente por ello, llegó a grabar prácticamente en vivo sus discos, en poquísimo tiempo de estudio. Se me ocurre que es un caso particular. Evidentemente necesitaba el dinero. Como sea, Miles fue un músico con otro tipo de apoyos.2

El procedimiento es muy sencillo -en apariencia- y consiste es colocar una nueva grabación sobre la anterior en algún punto concreto en la pista -en el que se escuchara alguna nota insegura, por ejemplo-, sin embargo  conlleva sus dificultades.

Las cabezas de grabación tenían que estar ajustadas con una gran precisión, y ser aplicadas a la cinta con un manejo muy delicado del tiempo, en orden de lograr el overdub buscado, pero sobretodo, para evitar arruinar la grabación completa. Como sea, siempre fue un recurso que los productores e ingenieros vieron con temor y que utilizaban en última instancia.

Es evidente que después del advenimiento del equipo de 16 y 24 pistas, la técnica descrita quedó en desuso  ya que con dicho equipo no hay necesidad de arriesgar la totalidad de la grabación.

Cuando Burroughs3  conoció al diablo de los ingenieros de sonido, quedó enganchado -como él mismo lo dijo- y desarrollaría a partir de ello el procedimiento que lo hizo famoso, y en el que creyó encontrar una forma de viajar en el tiempo.




notas

1.- overdub
2.- La fuerza de lo cool. 
3.- Otro necesitado de dinero.

En el fragmento se encuentra el mapa de Todo. El fractal es una forma en la que el universo se actualiza constantemente, y es una especie de escalón entre las dimensiones, un reposo y una referencia clave en las magnitudes. Es importante atender esto, que es el principio por medio del cual se manifiesta el espíritu. En la parte ya -en el fragmento- encontramos la primera vía hacia la totalidad del cosmos, en tanto sabemos que hay un mapa de todo contenido en el fragmento. Pero -y aquí vamos de nuevo- no debemos acercarnos al fragmento desde fuera, sino confundiéndonos con él; esto es: Debemos entender que aún como científicos nos encontramos asumiendo el control del experimento, sí, pero también formamos parte del universo de una manera cierta e intensísima, de tal suerte que el acercamiento al fragmento, ese objeto de estudio y puente de la sabiduría, más que acercamiento es un reconocimiento verdadero del ser que se ve a sí mismo enfrascado en la autoreferencialidad y el autoconocimiento. Entender esta doble dialéctica, la del científico como la manifestación del ser en una de sus extremidades, como reflejándose dentro de una botella de Klein, mientras que por otra lado es parte de la misma causa que lo permite todo.

La presencia del trailer II

"Después de un tiempo, el juego de las velocidades a toda hora puede llegar a volverse algo monótono. Es entonces cuando se inserta una cinta en el stereo. Eso nos mantiene alertas, despiertos.''

Rum Rum Moonshine

"Don't need reason, don't need rhyme"

Scott

La carretera es sin duda fuente de inspiración para el rockanrolero melancólico y el speed metal. Y se entiende, en tanto la vida de los artistas se resuelve mucho a través de las autopistas, otro tanto en vuelos y casi nada en embarcaciones, estadísticamente.

Existe una posición de pensamiento, es decir, una teoría que sostiene que todas las letras de rock deben entenderse como surgidas del automóvil y su imaginería consecuente.1 Es difícil avanzar en casi cualquier dirección sin encontrar, tarde o temprano, ejemplos para ello.

Drive my car (1965) es un momento de condensación ideológica de los más logrados al respecto. Representa un salto cualitativo con respecto a canciones anteriores como Can't Buy Me Love. El negocio del entretenimiento consiste mucho en encontrar llaves, las palabras mágicas, que según se entiende, abren corazones y billeteras. Drive my car es una síntesis asertiva sobre el poder y la sensualidad. En ese orden: sexo, éxito, prospectiva; es decir, una suerte de famous movie star music. Un himno a la ignición. Un disparador.

Pero volvamos a la imagen del rockanrolero primitivo, working class hero, aquel que supo moverse rápido sobre las vías carreteras con el objetivo de llegar a tiempo a sus presentaciones. Hay que resaltar aquí la existencia de un principio árduo, un pasado que dignifica notoriamente la figura de estos jinetes automotrices, y que apuntala ciertamente una épica. De nuevo, entre muchos, mencionamos a Elvis, como figura del vaquero moderno.

Pero la carretera tiene un fantasma. Una parte bizarra. Lo que Lynch pudo pergeñar en Lost Highway mucho tiempo después, y cuyo acierto es funcionar como pasaje metodológico hacia lo siniestro, y también como laboratorio de síntesis inconsciente de hechos históricos relativos a la fenomenología del camino. Por ejemplo, ya en 1979 la banda australiana AC/DC sacaría al mercado un larga duración titulado Highway to Hell, que incluirá una canción con el mismo nombre, -la que se escucha en su comienzo.

El éxito de este disco, es decir, el éxito de esta canción, Carretera al infierno, radica en que representa la esencia del capitalismo. No hay que avanzar demasiado en el estudio de la taleología de las carreteras,  para encontrar el secreto de la aspiración máxima del sistema capitalista. Por un lado, su pulsión de muerte, pero también , las consecuencias lógicas y materiales a las que se ve precipitado.

Hay una especie de pacto con el camino perdido en la génesis misma de la composición que dio título al LP. Supuestamente, uno de los antecedentes que se han publicitado, tiene que ver con la respuesta a una pregunta expresa por parte de un miembro de la prensa de espectáculos, orientada a despejar el 'tipo de vida' que miembros de una banda de rock como ellos debería de llevar, es decir, en la situación de encontrarse en tour constantemente.

La respuesta sintética que el guitarrista del grupo articuló para el reportero de la ocasión, involucraba en un arranque de economía la palabra altisonante 'fucking', así como el título de la canción.

Pero no debemos perder de vista que el autor de la letra de Highway to hell es Ronald Belford Scott, y que las respuestas concernientes a las razones de su ser así, en todo caso, pueden encontrarse en la herencia, que en lo inmediato y para los fines de la reflexión actual, corresponde a su obra en el citado disco, es decir, la composición que legó a las historias de carreteras.

Existe el conocimiento de que Belford, a.k.a. Bob,  antes de dedicarse al arte probó suerte en otros lugares. Se sabe que fue cantinero, pero también trabajó como conductor de un camión de volteo, entre otros rubros. Es a partir de este hecho, tergiversado, que se llegó a formular el rumor de que conoció a los miembros de AC/DC siendo su chofer, y no recomendado e introducido por Vince Lovegrove, como realmente sucedió.2

Desde cierta perspectiva, Scott parece representar a aquellos a quienes la fama no sienta tan bien en el largo plazo. Whitney Houston y un largo etcétera. El cantante murió en circunstancias desafortunadas seis meses después de que Highway to hell saliera al aire.

Poseedor de una lírica mordaz, tipo streeth figther, puede asegurarse que su incursión en AC/DC ayudó decididamente a consolidar y proyectar a éste hacia la dimensión de las ventas importantes y hacia el nicho en la historia en el que ahora se encuentra. A saber, un lugar en la cultura.

notas

1.- La presencia del trailer, aquí mismo.
2.- Vince y su esposa habían estado particularmente conmovidos por el estado en que terminó Scott con su Suzuki 550, y este era otro gesto en ese sentido.

a la mitad de mi vida

Salí del casino en un estado de euforia y había olvidado incluso el nombre del mes en curso. El cambio de temperatura me confundió. Quise reírme pero allá fuera estaba oscuro, no sabía dónde estaba. Entonces vi la luz en la esquina, y conforme avancé, se me fue revelando el puesto de hotdogs, situado frente a lo que con trabajos reconocí como el lugar donde, hacía mucho, había estado la comercial mexicana.