"Sería difícil imaginar un paraje más tranquilo y alentador, un paraje menos propicio a recibir o albergar horrores, ni siquiera en la Norteamérica de la tranquila primera parte del sigo XXI, que el suburbio -mejor dicho, exurbio- las Colinas de los Funcionarios Públicos."

"No había calles ni carreteras, sólo discos de cemento, con olor a pino, que servían de aparcamiento y que ahora albergaban las extrañas sombras de los cópteros y los vibroaviones que reposaban durante la noche, como libélulas y polillas adormecidas."

Fritz Leiber, El futuro encantado

CONTEMPORARY URBAN

Estuve escuchando Urban, por 3ter. Urban es una de las primeras piezas del compositor realizadas durante 2012 en contar con una percusión más que respetable. Es una pieza lograda en ese sentido. Maneja fragmentos de una progresión algorítmica de baja escala, aquí y allá, montados sobre una base percusiva que semeja autóctona. Y loops, muchos loops. Y samples de televisión vieja.
De acuerdo a información vertida por el propio 3ter en su cuenta de twitter, se tuvo que tender literalmente una línea desde el dispositivo móvil hasta la pc madre, debido a las limitaciones propias del sistema, e ir armando de una manera casi artesanal los diferentes niveles de la atmósfera. Es cierto que existen risas en la pieza, que aparecen en su desarrollo, y que por momentos puedan llegar a parecer desbordadas. Pienso que este detalle acentúa la identificación contemporánea que la pieza parece reclamar, haciendo énfasis en la ironía del asunto, mismo que puede ser sintetizado en lo urbano.
El mismo 3ter ha referido ahí mismo su convencimiento pleno de que esta pieza marca definitivamente un antes y un después en su carrera, misma que podría repuntar en 2013 con el lanzamiento de algo de su más reciente material, lo que sin duda será aire fresco en la escena.

NOTAS SOBRE HEGEL

La labor del artista consiste en engañar al sentido común.

Hace muchos años adquirí algunos libros de Hegel, en uno de mis viajes. Pero la maleta en la que iban se perdió de tal forma que no apareció sobre la banda sin fin. La semana pasada llamaron del aeropuerto avisando que la habían encontrado, que por favor me presentara inmediatamente.

Pienso que recuperé un tesoro -y unos bermudas de los ochentas,entre otras cosas. Esos libros, la edición algo impresionante de ediciones península, ideales para llegar con ellos a una mesa de café y comenzar a hablar del tiempo, por ejemplo, son de un valor indiscutible dentro del pensamiento filosófico moderno, un material de actualidad y vigencia. Por lo demás, se ha registrado entre los estudiosos un regreso entusiasta hacia los libros del austriaco recientemente.

Estuve limpiando el jardín, disparándole a las ratas, cortando la maleza. Fue entonces cuando abrí y eché un vistazo en uno de los volúmenes de la estética de Hegel. En algún tiempo intermedio, se entiende. Bebía limonada, recuerdo.

Al pasar mis manos entusiastas por las páginas del libro, reconocí algunos nombres y me vi arrebatado hacia lo que pensé una dimensión de entendimiento particular, en la que entre ensoñaciones diversas recordé mi propia experiencia con respecto al arte.

Ciertamente tuve que trazar y desarrollar un programa extenso y difícil para poder llegar a desembarazarme de una idea 'piadosa' con respecto al arte. Recuerdo haber ido a las cosas directamente y entiendo que dichos procedimientos pueden llegar a ser demoledores. A saber, una desilusión de las cosas frente a las cosas mismas.

Además estaban todos esos rumores en el aire leve de la historia. Las recomendaciones de Aristóteles, Horacio y Longino, susurrando desde la antigüedad y haciendo eco en Home y Boeilleau.

La escuela de Wolff. Y Aloys. El nacimiento del arte contemporáneo.

Porque eso es lo que dice Hegel. El arte ha sido una vía importante en el reconocimiento de las realidades sustanciales, y algunos pueblos quedaron atrapados en su adoración. Representan un nivel inferior con respecto al arte occidental.

Tuvieron que llegar a la historia poetas de tal magnitud como  Goethe y Schelling, quienes conocieron la técnica de forma maestra pero luego abjuraron de ella y partieron de cero, en un arranque rebelde y supuestamente renovador.

Fueron ellos pero sobretodo Aloys, según Hegel, el que en el terreno del pensamiento estético dio un paso importante en la dirección de entender al arte de una manera científica.

Hegel dice que sí se puede, y de hecho el también participa en el movimiento de una manera decisiva, hablando del espíritu alemán católico en contraposición de los pueblos culturalmente inferiores. El dice que el arte puede estudiarse científicamente, y de allí no ha sido difícil llegar a la idea de que el arte puede producirse de manera mecánica, ilustrada. Resultaría muy interesante trazar la línea que conecta esto.

Escape de Nueva York

Sol Yurick nació en 1925 en el seno de una familia de judíos inmigrantes de clase trabajadora que eran políticamente activos.

A la edad de catorce años, sin embargo, Yurick se desilusionó de la política después del pacto entre Hitler y Stalin.

Se enlistó durante la segunda guerra mundial, donde fue entrenado como cirujano técnico.

Después de la guerra estudió en la Universidad de Nueva York, de donde se graduó en literatura.

Luego de graduarse consiguió un empleo en el Departamento de Asistencia Social como investigador, un trabajo que mantuvo hasta principios de los 60's, cuando a partir de ese momento dedicó su tiempo completo a la escritura.

Sol Yurick se involucró en la Sociedad de Estudiantes por la Democracia1, así como en el movimiento en contra de la guerra de su tiempo.

En 1968, Yurick firmó la Protesta de Editores y Escritores en contra del Impuesto de Guerra2, en protesta a la guerra de Vietnam.

En 1972, fue premiado con una membresía Guggenheim.

¿Cómo se llega hasta aquí?

Contestando a la pregunta por los antecedentes de Escape de Nueva York (1981, John Carpenter).

La primera novela de Sol, The Warriors se publicó en 1965 e inspiró la película de Walter Hill (1979) con el mismo nombre.

Esta película, tengo entendido, es el antecedente directo a la producción de Carpenter, y es considerada por muchos una película de culto.

Sol Yurick tiene otros trabajos interesantes, entre los que destaco Comprendiendo a Metatrón, el ángel que graba (1985)3, y por supuesto, The King of Maleputa, obra cuasi prohibida.4

Actualmente se encuentra trabajando en un proyecto que analiza todos los posibles textos desde una perspectiva evolucionista-marxista.


notas
1.-  Students for a Democratic Society
2.- Writers and Editors War Tax Protest
3.- Behold Metatron, the Recording Angel
4.- Yurick publicó esta aguda e imaginativa historia, a principios de los 80's, en la que se considera cómo el uso de una isla-nación virtual y completamente imaginaria, combinada con una red de trabajo computacional de avanzada, podría ser usada para extraer de una manera tremenda la riqueza del sistema mundial bancario y devastarlo simultáneamente.

Cubierta de la primera edición de 

What Mad Universe, novela de 

Fredric Brown

Volver a las escopetas

Una de las conclusiones a las que se llega en Looper (Rian Johnson, 2012) es que supuestamente en el futuro personas ejecutarán su propia jubilación.

Elaborada como una película cyber -pero con ciertos elementos steampunk-, a saber, la fantasía de un futuro distópico, Looper gira en torno a la idea del viaje en el tiempo, probablemente entre todas las ideas de la ciencia ficción, la más anti-científica.

En este sentido se inscribe en la tradición inaugurada por H. G. Wells, y más recientemente, las franquicias de Terminator y Volver al futuro.

Si bien, Terminator, maneja la idea del policía del futuro, conclusión lógica de toda una década de cine dedicada a la figura del superpolicía -remember Robocop-, en Looper esto parece rebasado y la figura del protagonista en esta ocasión es la del vil sicario.

Efectivamente, las figuras del policía 'real', el dependiente de una tienda de abarrotes y la sociedad en general, quedan desplazadas a un segundo término.

Construida sobre la idea de que la propiedad debe ser defendida de los indigentes, traza una delgada, muy fina línea entre éstos y los sicarios: un arma en la mano y los zapatos limpios.

Resultan interesantes ciertos elementos comunes entre esta película y Skyfall (Mendes, 2012). Por ejemplo:

Además de que las dos producciones se llevaron a cabo simultáneamente (se comenzó a trabajar en ellas en 2009), también existe la añoranza en ellas por un pasado ideal en el que la propiedad era defendida a escopetazo limpio.

Las dos tratan el parentesco así como el trauma infantil.

Ambas manejan la idea de que los huérfanos resultan los mejores mercenarios.

Los personajes de las dos producciones lidian en carne propia con la drogadicción y/o el alcoholismo, y con los problemas que su edad genera en su propio empleo.

De cualquier forma, el momento más dramático en Looper tiene que ver con el asesinato de niños. Y si bien, pareciera que Joe -el protagonista- ha realizado una transformación de índole moral a lo largo del film, al final termina salvando la vida a su propio verdugo.

Si estás dispuesto a gastar un poco de dinero, es posible que pases un buen rato con las luces y los sonidos del cinematógrafo.

Hoy tiré a la basura el disco de Violines Mágicos, que recogí hace años cuando naufragué en este continente. No sé dónde lo pesqué, y tiemblo un poco al pensar que lo traje del infierno mismo. Creo que la razón de haberlo conservado sea sólo un afán neurótico producto de la necesidad referencial, y que el trasfondo de todo tenga que ver con aquel momento imborrable en el que escuché el fragmento de la canción Campanitas de Cristal.


[http://is.gd/SFs8iJ]

el origen del retoque sonoro

Hoy quiero hablar de la sobreimposición -o doblaje-1, esa técnica usada en los albores de los estudios de grabación. Es una técnica con la que todo ingeniero, ya sea de sonido, o de grabación tiene que estar familiarizado.

En general tiene que ver con la edición de pistas. Se entiende que los costes de producción sean altos hoy, y que debido a la naturaleza misma del desarrollo tecnológico, hayan sido más altos entonces. Eso lo sabe cualquier músico o productor, que se haya visto orillado al alquiler de servicios de este tipo, con fines profesionales o en un intento por alcanzar la posteridad.

A pesar de que tanto el artista, como los técnicos del estudio, pongan todo su empeño con fin a evitar equivocaciones e incidentes que puedan obligarlos a utilizar más tiempo de estudio, los errores encuentran la manera de aparecer, ésto es algo que sabe cualquier editor.

A la luz de la historia queda claro el contexto en el que surge el overdubbing y sus motivaciones primeras. A pesar de que pueda considerarse una chicanada, fue un recurso que ahorró tanto tiempo como mucho dinero.

Me dicen que Miles Davis aborrecía dicho procedimiento y que, precisamente por ello, llegó a grabar prácticamente en vivo sus discos, en poquísimo tiempo de estudio. Se me ocurre que es un caso particular. Evidentemente necesitaba el dinero. Como sea, Miles fue un músico con otro tipo de apoyos.2

El procedimiento es muy sencillo -en apariencia- y consiste es colocar una nueva grabación sobre la anterior en algún punto concreto en la pista -en el que se escuchara alguna nota insegura, por ejemplo-, sin embargo  conlleva sus dificultades.

Las cabezas de grabación tenían que estar ajustadas con una gran precisión, y ser aplicadas a la cinta con un manejo muy delicado del tiempo, en orden de lograr el overdub buscado, pero sobretodo, para evitar arruinar la grabación completa. Como sea, siempre fue un recurso que los productores e ingenieros vieron con temor y que utilizaban en última instancia.

Es evidente que después del advenimiento del equipo de 16 y 24 pistas, la técnica descrita quedó en desuso  ya que con dicho equipo no hay necesidad de arriesgar la totalidad de la grabación.

Cuando Burroughs3  conoció al diablo de los ingenieros de sonido, quedó enganchado -como él mismo lo dijo- y desarrollaría a partir de ello el procedimiento que lo hizo famoso, y en el que creyó encontrar una forma de viajar en el tiempo.




notas

1.- overdub
2.- La fuerza de lo cool. 
3.- Otro necesitado de dinero.

En el fragmento se encuentra el mapa de Todo. El fractal es una forma en la que el universo se actualiza constantemente, y es una especie de escalón entre las dimensiones, un reposo y una referencia clave en las magnitudes. Es importante atender esto, que es el principio por medio del cual se manifiesta el espíritu. En la parte ya -en el fragmento- encontramos la primera vía hacia la totalidad del cosmos, en tanto sabemos que hay un mapa de todo contenido en el fragmento. Pero -y aquí vamos de nuevo- no debemos acercarnos al fragmento desde fuera, sino confundiéndonos con él; esto es: Debemos entender que aún como científicos nos encontramos asumiendo el control del experimento, sí, pero también formamos parte del universo de una manera cierta e intensísima, de tal suerte que el acercamiento al fragmento, ese objeto de estudio y puente de la sabiduría, más que acercamiento es un reconocimiento verdadero del ser que se ve a sí mismo enfrascado en la autoreferencialidad y el autoconocimiento. Entender esta doble dialéctica, la del científico como la manifestación del ser en una de sus extremidades, como reflejándose dentro de una botella de Klein, mientras que por otra lado es parte de la misma causa que lo permite todo.

La presencia del trailer II

"Después de un tiempo, el juego de las velocidades a toda hora puede llegar a volverse algo monótono. Es entonces cuando se inserta una cinta en el stereo. Eso nos mantiene alertas, despiertos.''

Rum Rum Moonshine

"Don't need reason, don't need rhyme"

Scott

La carretera es sin duda fuente de inspiración para el rockanrolero melancólico y el speed metal. Y se entiende, en tanto la vida de los artistas se resuelve mucho a través de las autopistas, otro tanto en vuelos y casi nada en embarcaciones, estadísticamente.

Existe una posición de pensamiento, es decir, una teoría que sostiene que todas las letras de rock deben entenderse como surgidas del automóvil y su imaginería consecuente.1 Es difícil avanzar en casi cualquier dirección sin encontrar, tarde o temprano, ejemplos para ello.

Drive my car (1965) es un momento de condensación ideológica de los más logrados al respecto. Representa un salto cualitativo con respecto a canciones anteriores como Can't Buy Me Love. El negocio del entretenimiento consiste mucho en encontrar llaves, las palabras mágicas, que según se entiende, abren corazones y billeteras. Drive my car es una síntesis asertiva sobre el poder y la sensualidad. En ese orden: sexo, éxito, prospectiva; es decir, una suerte de famous movie star music. Un himno a la ignición. Un disparador.

Pero volvamos a la imagen del rockanrolero primitivo, working class hero, aquel que supo moverse rápido sobre las vías carreteras con el objetivo de llegar a tiempo a sus presentaciones. Hay que resaltar aquí la existencia de un principio árduo, un pasado que dignifica notoriamente la figura de estos jinetes automotrices, y que apuntala ciertamente una épica. De nuevo, entre muchos, mencionamos a Elvis, como figura del vaquero moderno.

Pero la carretera tiene un fantasma. Una parte bizarra. Lo que Lynch pudo pergeñar en Lost Highway mucho tiempo después, y cuyo acierto es funcionar como pasaje metodológico hacia lo siniestro, y también como laboratorio de síntesis inconsciente de hechos históricos relativos a la fenomenología del camino. Por ejemplo, ya en 1979 la banda australiana AC/DC sacaría al mercado un larga duración titulado Highway to Hell, que incluirá una canción con el mismo nombre, -la que se escucha en su comienzo.

El éxito de este disco, es decir, el éxito de esta canción, Carretera al infierno, radica en que representa la esencia del capitalismo. No hay que avanzar demasiado en el estudio de la taleología de las carreteras,  para encontrar el secreto de la aspiración máxima del sistema capitalista. Por un lado, su pulsión de muerte, pero también , las consecuencias lógicas y materiales a las que se ve precipitado.

Hay una especie de pacto con el camino perdido en la génesis misma de la composición que dio título al LP. Supuestamente, uno de los antecedentes que se han publicitado, tiene que ver con la respuesta a una pregunta expresa por parte de un miembro de la prensa de espectáculos, orientada a despejar el 'tipo de vida' que miembros de una banda de rock como ellos debería de llevar, es decir, en la situación de encontrarse en tour constantemente.

La respuesta sintética que el guitarrista del grupo articuló para el reportero de la ocasión, involucraba en un arranque de economía la palabra altisonante 'fucking', así como el título de la canción.

Pero no debemos perder de vista que el autor de la letra de Highway to hell es Ronald Belford Scott, y que las respuestas concernientes a las razones de su ser así, en todo caso, pueden encontrarse en la herencia, que en lo inmediato y para los fines de la reflexión actual, corresponde a su obra en el citado disco, es decir, la composición que legó a las historias de carreteras.

Existe el conocimiento de que Belford, a.k.a. Bob,  antes de dedicarse al arte probó suerte en otros lugares. Se sabe que fue cantinero, pero también trabajó como conductor de un camión de volteo, entre otros rubros. Es a partir de este hecho, tergiversado, que se llegó a formular el rumor de que conoció a los miembros de AC/DC siendo su chofer, y no recomendado e introducido por Vince Lovegrove, como realmente sucedió.2

Desde cierta perspectiva, Scott parece representar a aquellos a quienes la fama no sienta tan bien en el largo plazo. Whitney Houston y un largo etcétera. El cantante murió en circunstancias desafortunadas seis meses después de que Highway to hell saliera al aire.

Poseedor de una lírica mordaz, tipo streeth figther, puede asegurarse que su incursión en AC/DC ayudó decididamente a consolidar y proyectar a éste hacia la dimensión de las ventas importantes y hacia el nicho en la historia en el que ahora se encuentra. A saber, un lugar en la cultura.

notas

1.- La presencia del trailer, aquí mismo.
2.- Vince y su esposa habían estado particularmente conmovidos por el estado en que terminó Scott con su Suzuki 550, y este era otro gesto en ese sentido.

a la mitad de mi vida

Salí del casino en un estado de euforia y había olvidado incluso el nombre del mes en curso. El cambio de temperatura me confundió. Quise reírme pero allá fuera estaba oscuro, no sabía dónde estaba. Entonces vi la luz en la esquina, y conforme avancé, se me fue revelando el puesto de hotdogs, situado frente a lo que con trabajos reconocí como el lugar donde, hacía mucho, había estado la comercial mexicana.